Zum Zeitpunkt seines Exports nach Sardinien muss das Schema des hispanisch-gotischen Polyptychons („Retaule“, mit katalanischem Begriff; „Retablo“, kastilisch) bereits eine stabile Form angenommen haben, die sich nun für die ihm zugewiesene Funktion bewährt hat. Aufgrund der Erkenntnisse aus den schriftlichen Unterlagen und den Zeugnissen in den Gemälden selbst wird angenommen, dass das Altarbild in zwei Versionen eingeführt wurde, die möglicherweise nach Größe getrennt sind.

Es wurde in der Struktur eines Doppeltriptychons auf einer quadratischen Predella mit ungeraden Zahlen errichtet und hatte einen Rahmen aus Polvarolen, die abfallend waren oder in den kleinen Klingen eine zentrale Spitze hatten. Bei den großen Polyptychen hat das Muster, das kanonisch wird, ein flaches Ende, wobei der diagonale Rahmen des Polvarolo horizontal auf dem zentralen Kompartiment („pessa mitjana“) gestreckt ist, das die Seiten deutlich dominiert („pessa foranas“, „de ma esquerra“ diejenigen auf der linken, „de ma dreta“ diejenigen auf der rechten), an deren äußeren Rändern die Polvarolen („Guardapols““) folgen einer unterbrochenen Linie, die in einer bestimmten Entfernung von der Predella („Peu“) unterbrochen ist.

Eine doppelte Triptychonstruktur und kanonisch gotisch-katalanische Ikonographien lassen sich aus den erhaltenen Fragmenten des „Altarbildes der Verkündigung“ (um 1406) des Heiligen Franziskus von Stampace ableiten, von dem die Nationale Kunstgalerie von Cagliari den Predel und drei Platten beherbergt, die dem Katalanen Joan Mates zugeschrieben werden, ein Werk, das wahrscheinlich in Barcelona gemalt und auf die Insel exportiert wurde.

Im Jahr 1455, als sich der „Altar von San Bernardino“ bereits in San Francesco di Stampace und jetzt in der Kunstgalerie von Cagliari befand, ist es sicher, dass der Kunde der Insel nun vom Import von Werken, die ausschließlich in Katalonien hergestellt wurden, zur Nachfrage nach Malern übergegangen ist, die nach Sardinien gezogen sind und in lokalen Werkstätten gearbeitet haben.

Ausgehend von diesem Eckpfeiler erscheint das Bild der Inselmalerei des zweiten 15. Jahrhunderts immer reicher und vielfältiger, was der Quantität und Qualität der eingegangenen Werke, ganz oder fragmentarisch, und dank der Vielzahl kultureller Referenzen zu verdanken ist, die sich durch eine große Öffnung zwischen dem italienischen Pol (insbesondere Neapel) und dem iberischen Pol (Barcelona und Valencia) entfalten, wodurch lebendige Reflexionen der flämischen Vision entstanden sind.

Emblematisch ist in diesem Sinne die Position des Meisters von Castelsardo, unverkennbar in der Art und Weise, wie sie die Werke der umfangreichen Autografie kennzeichnet. Alle drehen sich um ein bestimmtes Datum, das Jahr 1500, das Jahr, in dem aus einem Gesetz vom 6. Juni hervorgeht, dass die Ehegatten Giovanni und Iolanda von Santa Cruz, Herren des Ortes, zu einer ständigen jährlichen Volkszählung zugunsten des Notars Nicolò Gessa aus Cagliari aufgerufen haben, um das für ihre Kirche in Tuili gemalte Altarbild zu bezahlen. Dies ist der „Altar des Heiligen Petrus“, der größte der beiden, die in der Pfarrkirche von Tuili erhalten sind, ein Werk von großer Bedeutung, da es sich auf die kulturellen Elemente konzentriert, die Ende des 15. Jahrhunderts und zu Beginn des neuen Jahrhunderts auf Sardinien zirkulierten.

Dies ist der Moment, in dem die sogenannte „Stampace School“ in Cagliari ihr Debüt feierte, die ihren Namen von dem Stadtteil Cagliari hat, in dem die Familie Cavaro mehrere Generationen lang ein Geschäft unterhielt. Der älteste Maler von Stampace ist Pietro Cavaro. Die Archivinformationen, die über ihn gefunden werden konnten, reichen von 1508 bis 1538. Am 2. Januar 1508 gehörte Pietro Cavaro zu den Mitgliedern der Malergilde von Barcelona; wir schließen daraus, dass er mindestens ein Jahrzehnt in Katalonien gewesen sein muss und sicherlich sehr geschätzt wurde, wenn er diese Position genoss.

Im Vergleich zu seiner Zeit ist Pietro Cavaro in vielerlei Hinsicht ein glücklicher Maler, vielleicht der einzige Sardinier, der die Gelegenheit hatte, seine Persönlichkeit in einer Umgebung wie der von Barcelona zu formen, in der er fruchtbare Reize genießen konnte, weil sie sich in den unterschiedlichsten Richtungen artikulierten, von der flämischen bis zur italienischen. Er konnte diesen Umstand nutzen, um eine Öffnung zu erreichen, die auf Sardinien für ein weiteres Jahrhundert Früchte tragen sollte, mit einem Horizont von 180 Grad von Barcelona bis Neapel.

Das erste Werk (unter den uns überlieferten) ist das „Altar der Jungfrau“ für den Hauptaltar der Pfarrkirche St. Johannes der Täufer in Villamar, das die Wappen des aymerischen Kunden und die Inschrift mit dem Datum 1518 und der Unterschrift des Malers trägt: „pinsit hoc retabolum Petri Cavaro pictorum minimus Stampacis“.
Zum Zeitpunkt des Altarbilds von Villamar, dem komplexesten und vollständigsten der von ihm erhaltenen, hatte Pietro Cavaro daher nicht nur die wichtigsten Erfahrungen in der Umgebung von Barcelona gesammelt, sondern auch grundlegende Elemente der neapolitanischen Kunstsituation aufgenommen, was zur Aufgabe der spätgotischen Modi und zur Beibehaltung der italienischen Renaissancemalerei führte. Nach dem Tod von Pietro Cavaro (1537) setzte sein Sohn Michele seine blühende Werkstatt mit offensichtlichen raffaellesken Aufnahmen fort, während Antioco Mainas populärere Werke verbreitete.

Auch für die manieristische Malerei haben wir wertvolle Bildzeugnisse, insbesondere die Werke des interessanten, aber immer noch geheimnisvollen Meisters von Ozieri, der eine Werkstatt in Nordsardinien unterhält („Retablo der Madonna von Loreto“ in der Kathedrale von Ozieri, „von Sant'Elena“ in der Pfarrkirche von Benetutti, „Heilige Familie“ in der Pinacoteca di Ploaghe).

Zwischen dem Ende des 16. Jahrhunderts und dem Beginn des darauffolgenden Jahrhunderts waren im Süden der Insel die neapolitanischen Maler Bartolomeo Castagnola, Giulio Adato, Ursino Bonocore und Francesco Pinna aus Alghero tätig, die in Cagliari arbeiteten („Altarbild von Sant'Alberto“ in der Kirche von Carmine, „von Sant'Orsola“ heute in der Pinacoteca), mit einem Stil, der offen ist für Glockenandeutungen, die direkt oder durch Drucke vermittelt werden.