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Bonne de Mandiargues. Refaire le monde

Bonne de Mandiargues. Refaire le monde

Bonne de Mandiargues. Refaire le monde

Inaugurée le 16 septembre, au musée Nivola, la première grande rétrospective de l'artiste surréaliste Bona de Mandiargues (Rome 1926 - Paris 2000).

Artiste et écrivaine, son histoire unique, jamais reconstruite auparavant, fait d'elle, aux côtés de personnalités telles que Leonora Carrington, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning, Dora Maar ou Remedios Varo, l'une des protagonistes du panorama d'un surréalisme « féminin », aujourd'hui enfin au centre de l'attention de la critique et du public.

Son travail est le fruit d'une recherche personnelle qui trouve dans les thèmes de la métamorphose, du totémisme animal et de la fantaisie les moyens d'exprimer une identité divisée et fragmentée.

« Mes recherches sont alchimiques — explique l'artiste — je veux fabriquer de l'or à partir d'excréments. (...) Je refais le monde : je suis là ailleurs, je vois les choses de plus loin

Femme fascinante, admirée et génératrice de passions irrésistibles, Bona rejette explicitement les rôles de femme-muse et de femme-enfant, qui prévalent dans le domaine du surréalisme. Au contraire, au moins à partir des années 1970, il s'est identifié à l'escargot, animal hermaphrodite et personnage ambivalent, à la fois sympathique (pensez à la fée bleue de Pinocchio) et répugnant, incarnation du surréaliste informe. Pour l'artiste, l'escargot est le symbole de l'androgynie, de la fragilité et de la force, ainsi que de la rage continuelle de son esprit agité.

Le parcours de l'exposition

Le projet, promu par la Sardinia Foundation dans le cadre du programme AR/S Shared Art, repose sur une recherche archivistique approfondie et reconstitue l'itinéraire de Bona de Mandiargues à travers 7.1 œuvres réalisées entre 1950 et 1997, provenant de la collection des héritiers de l'artiste et de collections privées et publiques, notamment la Fondation Intesa San Paolo, la Galerie nationale d'art moderne de Rome et les galeries d'art moderne et contemporain de Ferrare.

Le voyage, ouvert par un ensemble de peintures précieuses qui marquent l'approche de l'artiste à l'égard de l'imaginaire surréaliste, se poursuit avec les fantastiques paysages enflammés de 1955-56, influencés par un voyage en Haute-Égypte, et des œuvres abstraites faites de pâtes épaisses et matérielles de la seconde moitié des années cinquante au début des années 1960, lorsque la suggestion de la culture mexicaine ajoute de nouveaux éléments à son imagination.

Vague à l'âme est le tableau qui a inauguré la série de collages textiles en 1958, dans laquelle l'expérimentation technique et la recherche formelle sont les véhicules d'une enquête introspective qui met en lumière les traumatismes et les pulsions du plus profond. The Sexual Lesson (1962), l'impressionnant Triptyque des naissances (1965), aux tonalités primitives, et Diana the Hunted and Hunted (1968) figurent parmi les principaux

tableaux de cette phase.

Un imaginaire plein de références symboliques et une palette aux couleurs psychédéliques caractérisent un ensemble de toiles peintes vers 1968, en lien avec le deuxième voyage au Mexique.

Si le souvenir de la peinture métaphysique resurgit dans les années 1970, avec des hommages à De Chirico, Savinio et Magritte (Il Gallo Toledo, Celeste Empire, 1975), le climat italien du « retour à la peinture » ne sera pas étranger à des toiles telles que le portrait de l'actrice et galeriste érotique Sylvia Bourdon (1980) ou The Song of Creation (1980).

La maturité de l'artiste voit se développer les axes de recherche déjà entamés, tandis que la présence de l'image symbolique de l'escargot, de la projection de l'artiste, et celle du thème du portrait (Hommage à Unica Zürn, 1980) et de l'autoportrait s'intensifient.

Ce dernier, au cœur des recherches de l'artiste, connaît plusieurs exemples importants dans l'exposition, du petit et gracieux autoportrait juvénile à celui flamboyant de 1968 au visage hiératique et stylisé de Bona à Mexico (1991), jusqu'à celui de 1994, qui montre le visage de Bona multiplié et décomposé en détails (nez, bouche, etc.), miroir de la tension continue qui règne dans l'œuvre de l'artiste entre la fragmentation du sujet et son affirmation, qui trouvent un écho dans les puissantes représentations de soi symboliques de La Femme Montagne et Ma Main (1991).

L'artiste

Nièce et élève de Filippo de Pisis, Bona Tibertelli a étudié à l'Académie des beaux-arts de Venise, avant de suivre son oncle à Paris en 1947. Elle y a rencontré le critique et écrivain André Pieyre de Mandiargues, qui l'a mise en contact avec des intellectuels et des artistes surréalistes, d'André Breton à Max Ernst, de Dorothea Tanning à Meret Oppenheim, de Man Ray à Hans Bellmer, de Leonor Fini à Henri Michaux. En 1950, elle a épousé de Mandiargues. La relation avec de Mandiargues aidera à orienter les intérêts artistiques de Bona vers les thèmes de la magie, du rêve, de l'éros et de l'occulte.

Après une phase de formation influencée stylistiquement par l'exemple de De Pisis, Bona (nom sous lequel elle a signé) est arrivée à une peinture figurative nourrie de suggestions fantastiques, qui interprète la nature sur la base de la recherche surréaliste du merveilleux et du dérangeant.

Racines et mandragores à l'apparence anthropomorphique sont les symboles d'une réalité en constante évolution qui, dans la seconde moitié des années cinquante, est passée par l'évocation d'un univers magmatique et fermentant, rendu par des tissus matériels, par l'utilisation de mélanges denses de terre et de poussière, qui s'inspirent autant de la recherche surréaliste contemporaine que de celle de l'Europe informelle.

En 1958, Bona a développé la technique qui l'a le plus caractérisée au cours des années suivantes, celle de l'assemblage de matières textiles. Dans les vieux vêtements de la garde-robe de son mari, elle récupère les doublures et le rembourrage (l'âme, en français). Des lambeaux de tissu qui donneront naissance à d'innombrables compositions cousues et montées sur toile, qu'elle appelle « collages », « assemblages » ou « ragarts ». Parallèlement, l'artiste continuera à pratiquer la peinture, le dessin et la gravure, avec des œuvres empreintes de symbologies personnelles, de fantasmes érotiques, d'allusions magiques et alchimiques.

En 1958, il est resté longtemps au Mexique, ouvrant une nouvelle phase artistique et personnelle. Les années soixante ont été pour elle une période d'agitation existentielle, marquée par sa séparation d'avec son mari, par de nombreux voyages, notamment en Inde, en Afghanistan, à Ceylan, au Népal et de nouveau au Mexique, et par des relations avec le poète Octavio Paz et avec le peintre Francisco Toledo. Son travail est enrichi de références aux cultures avec lesquelles il entre en contact, tant dans les gammes chromatiques que dans le style, ainsi que dans les sujets et les symboles.

1967 marque la réconciliation avec de Mandiargues et la naissance de sa fille Sibylle. À partir de ce moment, Bona s'oriente vers de nouvelles orientations de recherche. D'une part, la peinture reprend, avec une série de peintures néo-métaphysiques qui retracent les origines du surréalisme. D'autre part, il développe le travail sur l'assemblage, en se concentrant désormais sur son animal totémique, l'escargot. Il a également intensifié sa production graphique, avec des dessins érotiques inspirés de l'art tantrique. Dans les années 90, le thème du portrait a occupé le premier plan, à la fois avec une série d'hommages aux protagonistes historiques de la culture du XXe siècle et avec une exploration de soi à travers l'autoportrait et le portrait de famille.

Curator : Giuliana Altea, Antonella Camarda, Luca Cheri, Caterina Ghisu.

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Mise à jour

26/1/2024 - 09:53

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