Am 16. September wurde im Nivola Museum die erste große Retrospektive des surrealistischen Künstlers Bona de Mandiargues (Rom 1926 - Paris 2000) eingeweiht.

Als Künstlerin und Schriftstellerin macht sie ihre einzigartige, nie zuvor rekonstruierte Geschichte zusammen mit Figuren wie Leonora Carrington, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning, Dora Maar oder Remedios Varo zu einer der Protagonistinnen des Panoramas eines „weiblichen“ Surrealismus, das heute endlich im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit von Kritikern und Öffentlichkeit steht.

Seine Arbeit geht auf eine Selbstrecherche zurück, die in den Themen Metamorphose, Tiertotemismus und Fantasie Mittel findet, um eine gespaltene und fragmentierte Identität auszudrücken.

„Meine Forschung ist alchemistisch“, sagte der Künstler, „ich möchte aus Exkrementen Gold machen. (...) Ich gestalte die Welt neu: Da bin ich woanders, ich sehe Dinge von

weiter weg. “

Als faszinierende Frau, die viel bewundert wird und überwältigende Leidenschaften hervorruft, lehnt Bona ausdrücklich die im Bereich des Surrealismus vorherrschenden Rollen von Frau als Muse und Frau als Kind ab. Stattdessen identifizierte er sich, zumindest ab den siebziger Jahren, mit der Schnecke, einem zwittrigen Tier und einer ambivalenten Figur, die gleichzeitig freundlich (man denke an Pinocchios blaue Fee) und abstoßend zugleich ist, der Inkarnation des formlosen Surrealisten. Für den Künstler ist die Schnecke ein Symbol für Androgynismus, für Fragilität und Stärke und für das fortwährende Toben seines unruhigen Geistes.

Der Ablauf der Ausstellung

Das Projekt, das von der Sardinia Foundation im Rahmen des Programms AR/S Shared Art gefördert wurde, basiert auf umfangreichen Archivrecherchen und rekonstruiert die Reise von Bona de Mandiargues anhand von 7.1 Werken zwischen 1950 und 1997, die aus der Sammlung der Erben des Künstlers sowie aus privaten und öffentlichen Sammlungen stammen, darunter der Intesa San Paolo Foundation, der Nationalgalerie für Moderne Kunst in Rom und den Gallerien für moderne und zeitgenössische Kunst in Ferrara.

Die Reise, die mit einer Gruppe wertvoller Gemälde eröffnet wird, die die Annäherung des Künstlers an die surrealistische Vorstellungskraft kennzeichnen, setzt sich fort mit den fantastischen feurigen Landschaften von 1955-56, beeinflusst von einer Reise nach Oberägypten, und abstrakten Werken aus dicken und materiellen Pasten aus der zweiten Hälfte der fünfziger bis frühen sechziger Jahre, als der Vorschlag der mexikanischen Kultur seiner Fantasie neue Elemente hinzufügt.

Vague à l'âme ist das Gemälde, mit dem 1958 die Serie textiler Collagen eröffnet wurde, in denen technische Experimente und formale Recherchen die Vehikel einer introspektiven Untersuchung sind, die Traumata und Impulse aus der Tiefe ans Licht bringt. The Sexual Lesson (1962), das beeindruckende Triptychon of Births (1965) mit primitiven Tönen, und Diana the Hunted and Hunted (1968) gehören zu den wichtigsten

Gemälden dieser Phase.

Ein imaginäres Bild voller symbolischer Referenzen und eine Palette psychedelischer Farben kennzeichnen eine Gruppe von Leinwänden, die um 1968 entstanden sind und mit der zweiten Reise nach Mexiko in Verbindung stehen.

Während die Erinnerung an die metaphysische Malerei in den siebziger Jahren mit Hommagen an De Chirico, Savinio und Magritte (Il Gallo Toledo, Celeste Empire, 1975) wieder auftaucht, bleibt das italienische Klima der „Rückkehr zur Malerei“ im darauffolgenden Jahrzehnt Leinwänden wie dem Porträt der erotischen Schauspielerin und Galeristin Sylvia Bourdon (1980) und The Song of Creation (1980) nicht fremd.

Mit der Reife des Künstlers wurde die Entwicklung der Forschungslinien bereits begonnen, während die Präsenz des symbolischen Bildes der Schnecke, die Projektion des Künstlers und das Thema des Portraits (Hommage to Unica Zürn, 1980) und des Selbstporträts intensiviert wurden.

Letzteres, das für die Forschung des Künstlers von zentraler Bedeutung ist, kennt mehrere wichtige Beispiele in der Ausstellung, vom kleinen und anmutigen jugendlichen Selbstporträt über das extravagante Selbstporträt von 1968 über das hieratische und stilisierte Gesicht von Bona à Mexico (1991) bis hin zu dem von 1994, das Bonas Gesicht multipliziert und in Details (Nase, Mund usw.) zerlegt zeigt, ein Spiegel der ständigen Spannung in der Arbeit des Künstlers zwischen die Fragmentierung des Subjekts und seine Bestätigung, die in den starken Selbstdarstellungen, die für La Femme stehen, ihren Widerhall findet Montagne und Ma Main (1991).

Der Künstler

Bona Tibertelli, Nichte und Schülerin von Filippo de Pisis, studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Venedig, bevor sie 1947 ihrem Onkel nach Paris folgte. Hier lernte sie den Kritiker und Schriftsteller André Pieyre de Mandiargues kennen, der sie mit surrealistischen Intellektuellen und Künstlern in Kontakt brachte, von André Breton bis Max Ernst, von Dorothea Tanning bis Meret Oppenheim, von Man Ray bis Hans Bellmer, von Leonor Fini bis Henri Michaux. 1950 heiratete sie de Mandiargues. Die Beziehung zu de Mandiargues wird dazu beitragen, Bonas künstlerisches Interesse auf die Themen Magie, Traumhaftigkeit, Eros und Okkultismus zu lenken

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Nach einer prägenden Phase, die stilistisch vom Beispiel de Pisis beeinflusst war, gelangte Bona (der Name, mit dem sie unterschrieb) zu einem figurativen Gemälde, das von fantastischen Anregungen genährt wurde und die Natur auf der Grundlage der surrealistischen Erforschung des Wunderbaren und Verstörenden interpretiert.

Wurzeln und Mandragore mit anthropomorphem Aussehen sind die Symbole einer sich ständig verändernden Realität, die in der zweiten Hälfte der fünfziger Jahre die Evokation eines magmatischen und gärenden Universums erlebte, das durch materielle Stoffe wiedergegeben wurde, wobei dichte Mischungen aus Erde und Staub verwendet wurden, die sich sowohl mit der zeitgenössischen surrealistischen Forschung als auch mit denen des informellen Europäers befassen.

1958 entwickelte Bona die Technik, die sie in den folgenden Jahren am meisten charakterisierte, nämlich die Montage von Textilmaterialien. Aus alten Kleidern im Kleiderschrank ihres Mannes holt sie Futter und Polster (die Seele, auf Französisch). Stofffetzen, aus denen zahllose Kompositionen entstehen, die sie auf Leinwand genäht und montiert hat. Sie nennt sie „Collagen“, „Assemblagen“ oder „Ragarts“. Gleichzeitig wird sich die Künstlerin weiterhin in Malerei, Zeichnung und Gravur üben und Werke voller persönlicher Symbologien, erotischer Fantasien, magischer und alchemistischer Anspielungen präsentieren

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1958 blieb er lange Zeit in Mexiko und eröffnete damit eine neue künstlerische und persönliche Phase. Die sechziger Jahre waren für sie eine Zeit existenzieller Unruhe, geprägt von ihrer Trennung von ihrem Ehemann, von zahlreichen Reisen — insbesondere nach Indien, Afghanistan, Ceylon und Nepal und erneut nach Mexiko — und von Beziehungen zum Dichter Octavio Paz und zum Maler Francisco Toledo. Seine Arbeit ist reich an Hinweisen auf die Kulturen, mit denen er in Kontakt kommt, sowohl in Bezug auf die Farbbereiche und den Stil als auch auf die Themen und

Symbole.

1967 markiert die Versöhnung mit de Mandiargues und die Geburt seiner Tochter Sibylle. Von diesem Moment an bewegt sich Bona in neue Forschungsrichtungen. Einerseits wird die Malerei mit einer Reihe neometaphysischer Gemälde, die sich mit den Ursprüngen des Surrealismus befassen, wieder aufgenommen. Andererseits entwickelt er die Arbeit an der Assemblage weiter und konzentriert sich nun auf sein Totemtier, die Schnecke. Er intensivierte auch seine grafische Produktion mit erotischen Zeichnungen, die von der tantrischen Kunst inspiriert waren. In den neunziger Jahren stand das Thema des Porträts im Vordergrund, sowohl mit einer Reihe von Hommagen an historische Protagonisten der Kultur des 20. Jahrhunderts als auch mit einer Erforschung des Selbst anhand des Selbstporträts und des Familienporträts.

Kuratiert von: Giuliana Altea, Antonella Camarda, Luca Cheri, Caterina Ghisu.