Im Nivola Museum wird die Ausstellung "Pratza 'e domo. Ein semiotisches Haus, das nie gebaut wurde“ ab dem 29. Juni fortgesetzt und kann bis zum 3. November 2024 besucht werden . Ein semiotisches Haus, das nie gebaut wurde“, ein Projekt, das Nairy Baghramian nach der Verleihung des Nivola-Skulpturpreises 2023 für das Museum ins Leben gerufen hat. Die Ausstellung umfasst Werke der Künstler und Designer Nairy Baghramian, Phyllida Barlow, Nicolas Hsiung, Janette Laverrière, Rosemary Mayer, Win McCarthy, Julie Mehretu, Oscar Murillo, Paulina Olowska, Monika Sosnowska und Mariantonia Urru.

Baghramians Titel „Pratza 'e domo“ (wörtlich „Hausplatz“) greift den Ausdruck auf, der auf Sardinien den Raum vor einem Haus bezeichnet, der oft mit einer Bank oder einem Stuhl ausgestattet ist, auf dem man stehen kann; ein Bereich des Übergangs, der nicht klar abgegrenzt ist, gleichzeitig privat und öffentlich, individuell und kollektiv. Dieser Raum, sowohl physisch als auch konzeptionell, ist mit der Idee des „semiotischen Hauses, das nie gebaut wurde“ verbunden, einem Projekt, das Baghramian 2008 im NAK — Neuer Aachener Kunstverein zusammen mit Janette Laverrière und Henrik Olesen (Affairs) durchgeführt hat. Ein semiotisches Haus (das nie gebaut wurde).

Das Haus wurde vom Künstler als utopischer Raum konzipiert, der nie gebaut wurde und vielleicht auch nicht gebaut wurde, aber die bloße Tatsache, es sich vorzustellen, evoziert seine Existenzmöglichkeit und macht es glaubwürdig. Es ist eine temporäre Umgebung, in der Ideen und Projekte entwickelt oder beiseite gelegt werden können, in einem Prozess der kontinuierlichen Ausarbeitung und Zusammenfügung von Fragmenten. Jedes Fragment ist eine eigenständige Schöpfung und trägt gleichzeitig „mit einer Rückwärtsbewegung“, wie Baghramian sagt, zur Definition eines Kontextes bei.

Das Projekt für das Nivola Museum (Anfahrt) vereint eine Reihe von Aspekten, die in Nairy Baghramians Praxis schon immer präsent waren. Eines davon ist ihr Interesse an den Grenzen zwischen öffentlichem und privatem, externem und innerem Raum, die sie als potenziell durchlässig und daher spannungsgeladen erforschte. Während in früheren Arbeiten des Künstlers die Spannung zwischen dem institutionellen Raum des Museums oder der Galerie und dem sozialen Raum allgemein skizziert wurde, wird in diesem Fall der institutionelle Raum idealerweise mit dem häuslichen identifiziert, auch dank der Form der Ausstellungsumgebung, einem ehemaligen Waschhaus mit Satteldach, das an ein Haus erinnert. Im Haus nimmt der Museumsraum die Merkmale des Willkommens und des Schutzes an, er wird zu einem Gehege, in dem verschiedene künstlerische Diskurse koexistieren und miteinander in Resonanz treten können. Die Verschmelzung von öffentlichem und privatem Raum kennzeichnet sowohl die neue Skulptur von Baghramian To Let, die an der Fassade des Gebäudes angebracht ist und im Dialog mit denen von Phyllida Barlow steht, als auch das Bild der Arbeit January '17 Calendar (Der Fuß des Künstlers, 2017) von Win McCarthy — das als ephemere Geste auf dem Ausstellungsplakat erscheint — und in dem die räumlichen und zeitlichen Achsen in einem Hybrid zwischen Kalender und planen.
Ein weiterer Grenzbereich, auf den Baghramian aufmerksam wird, ist der zwischen Kunst und Design, zwischen ästhetischer Dimension und ornamentaler Dimension, der in der Ausstellung anhand bewusst hybrider Arbeiten untersucht wird, wie der Stuhlskulptur Chaise L'Afghane (1987) von Janette Laverrière, dem von Arepas y Tamales (2022) gemalten Werkkleid von Oscar Murillo, den Hockern von Nicolas Hsiung oder, von Baghramian selbst, dem monumentalen Teppich, der gewebt wurde Samugheo von Mariantonia Urru (deren Design auf die minimalistische Idee des negativen Raums anspielt, die der Künstlerin am Herzen lag und an die sie erinnert wurde) nach der Vision des „heiligen Brunnens“ von Santa Cristina auf Sardinien) und dem Skulpturengriff, der an einer Tür im Innenhof des Museums angebracht ist. Das Unvollendete, das Unvollendete, das Unrealisierte sind auch wiederkehrende Themen im Werk von
Nairy Baghramian, dessen oft scheinbar fragilen oder unvollständigen Skulpturen auf Unbehagen hinweisen, eine Anpassungsschwierigkeit, die sie zwingt, auf Krücken zu stehen oder sich an Architektur zu lehnen, wie in der Serie Scratching the Back, die 2023 für die Fassadenkommission des Metropolitan Museum in New York entstand.

Prekarität, Unvollständigkeit und Vergänglichkeit kehren in das im Bau befindliche Haus auf einem Baum zurück, gemalt von Paulina Olowska (Tree House, 2016), in der Luftstruktur aus Zellophan, Bändern, Holz und anderen Materialien von Rosemary Meyer (Midwinter Ghost, 1980-81/2024), in den rohen und temporären Arbeiten von Phyllida Barlow (Ohne Titel, 2010), in den Fragmenten von Zäunen von Monika Soika Snowska (Gate, 2019) sowie in den wirbelnden Rhythmen der abstrakten Kompositionen von Julie Mehretu. Baghramian ist nicht neu in Bezug auf kollaborative Erfahrungen und hat seit langem die Praxis entwickelt, Einladungen zu persönlichen Ausstellungen in kollektive Erfahrungen mit anderen Künstlern umzuwandeln, wie der bereits erwähnten Janette Laverrière, Jean Timme, der Choreographin Maria Hassabi und in jüngerer Zeit Julie Mehretu, mit der sie einen jahrelangen Dialog führt, der in der Zusammenarbeit für die Schaffung der skulpturalen Rahmen gipfelte, die Baghramian Ian entwarf für die Mehretu Transpaintings, die in der Ensemble-Ausstellung im Palazzo Grassi im Jahr 2024. Wie in den Off-Broadway-Ausstellungen am Wattis Institute in San Francisco (2014) und Open Dress im Museum Abteiberg in Deutschland (2015) stehen auch im Nivola Museum Zusammenarbeit und Partizipation im Vordergrund seiner Arbeit, mit einem Projekt, das eine Gruppe von Künstlern zusammenbringt, die durch unterschiedliche Affinitäten mit Baghramian verbunden sind, und das das utopische und subversive Potenzial kollaborativer Arbeit in einem so ideellen Bereich reflektiert logisch mit persönlicher Ausdruckskraft verbunden, wenn nicht sogar mit der Idee des einsamen und gequälten Künstlerhelden, wie die des zeitgenössischen Kunst. Schließlich erinnert das Konzept der Ausstellung an den Exilzustand von Costantino Nivola und seiner Frau Ruth Guggenheim, die 1938 aus dem faschistischen Italien flohen, um sich in New York niederzulassen, und erst nach Kriegsende gelegentlich nach Europa und Sardinien zurückkehrten.

Sehen Sie sich das Video von TGR Rai Sardegna zur Ausstellung "Pratza 'e Domo“ an.

Ein semiotisches Haus, das nie gebaut wurde“ https://www.facebook.com/100065016840945/videos/1274319356871292

Mit dem Beitrag von: Autonome Region Sardinien, Gemeinde Orani, Stiftung Sardinien.
Ausstellungsdesign: Handwerkskunst und Design von Pietro Fois
Druck: Bioaction von Fabio Milia
Grafikdesign: Heart Studio Trasporti: Tiemme