Au musée Nivola, l'exposition "Pratza 'e domo. Une maison sémiotique jamais construite" se poursuit à partir du 29 juin et peut être visitée jusqu'au 3 novembre 2024. Une maison sémiotique jamais construite », un projet créé par Nairy Baghramian pour le musée à la suite de l'attribution du prix de sculpture Nivola 2023. L'exposition comprend des œuvres des artistes et designers Nairy Baghramian, Phyllida Barlow, Nicolas Hsiung, Janette Laverrière, Rosemary Mayer, Win McCarthy, Julie Mehretu, Oscar Murillo, Paulina Olowska, Monika Sosnowska et Mariantonia Urru.

Le titre de Baghramian « Pratza 'e domo » (littéralement « place de la maison ») reprend l'expression qui désigne en Sardaigne l'espace devant une maison, souvent équipé d'un banc ou d'une chaise sur laquelle il est possible de se tenir debout ; une zone de transition qui n'est pas clairement délimitée, à la fois privée et publique, individuelle et collective. Cet espace, à la fois physique et conceptuel, est lié à l'idée de la « maison sémiotique jamais construite », un projet réalisé par Baghramian en 2008 au NAK - Neuer Aachener Kunstverein avec Janette Laverrière et Henrik Olesen (Affaires). Une maison sémiotique qui n'a jamais été construite).

La maison est conçue par l'artiste comme un espace utopique qui n'a jamais été construit et qui ne le sera peut-être pas, mais le simple fait de l'imaginer évoque sa possibilité d'existence, la rendant crédible. Il s'agit d'un environnement temporaire dans lequel développer ou mettre de côté des idées et des projets, dans le cadre d'un processus continu d'élaboration et de réassemblage de fragments. Chaque fragment est une création indépendante et contribue en même temps « par un retour en arrière », comme le dit Baghramian, à la définition d'un contexte.

Le projet du musée Nivola (comment s'y rendre) combine une série d'aspects qui ont toujours été présents dans la pratique de Nairy Baghramian. L'une d'entre elles est son intérêt pour les frontières entre l'espace public et privé, extérieur et intérieur, qu'elle a explorées comme étant potentiellement perméables et donc chargées de tensions. Si, dans les œuvres précédentes de l'artiste, la tension est généralement soulignée entre l'espace institutionnel du musée ou de la galerie et l'espace social, dans ce cas, l'espace institutionnel est idéalement identifié à l'espace domestique, notamment grâce à la forme de l'environnement d'exposition, un ancien lavoir au toit à deux versants qui rappelle une maison. Dans la maison, la salle du musée prend des caractéristiques d'accueil et de protection, elle devient une enceinte dans laquelle différents discours artistiques peuvent coexister et résonner ensemble. La fusion entre l'espace public et privé caractérise à la fois la nouvelle sculpture de Baghramian To Let, montée sur la façade du bâtiment et en dialogue avec celles de Phyllida Barlow, et l'image de l'œuvre January '17 Calendar (Der Fuß des Künstler, 2017) de Win McCarthy - qui apparaît comme un geste éphémère sur l'affiche de l'exposition - et dans laquelle les axes spatial et temporel convergent dans un hybride calendrier et plan.
Une autre zone frontalière qui attire l'attention de Baghramian est celle entre l'art et le design, entre la dimension esthétique et la dimension ornementale, étudiée dans l'exposition à travers des œuvres délibérément hybrides telles que la chaise-sculpture Chaise L'Afghane (1987) de Janette Laverrière, la robe de travail peinte par Arepas y Tamales (2022) d'Oscar Murillo, les tabourets de Nicolas Hsiung ou, par Baghramian elle-même, le tapis monumental tissé à Samuu gheo de Mariantonia Urru (dont le design fait allusion à l'idée minimaliste de l'espace négatif, chère à l'artiste et rappelée par la vision du « puits sacré » de Santa Cristina en Sardaigne) et la poignée sculptée appliquée à une porte de la cour du musée. L'inachevé, l'inachevé, le non-réalisé sont également des thèmes récurrents dans l'œuvre de Nairy Baghramian, dont les sculptures, souvent apparemment fragiles ou incomplètes, laissent entrevoir un inconfort, une difficulté d'adaptation qui les oblige à se tenir debout sur des béquilles ou à s'appuyer sur l'architecture, comme dans la série Scratching the Back créée pour la Facade Commission du Metropolitan Museum de New York en 2023. La précarité, l'incomplétude et l'éphémérité reviennent à la maison en construction sur un arbre peinte par Paulina Olowska (Tree House, 2016), dans la structure aérienne de cellophane, de rubans, de bois et d'autres matériaux de Rosemary Meyer (Midwinter Ghost, 1980-81/2024), dans les œuvres brutes et temporaires de Phyllida Barlow (Untitled, 2010), dans les fragments de clôtures de Monika Solie snowska (Gate, 2019), ainsi que dans les rythmes tourbillonnants des compositions abstraites de Julie Mehretu.

Baghramian n'est pas un novice en matière d'expériences collaboratives et a depuis longtemps développé la pratique consistant à transformer les invitations pour des expositions personnelles en expériences collectives avec d'autres artistes, tels que Janette Laverrière, Jean Timme, la chorégraphe Maria Hassabi et, plus récemment, Julie Mehretu, avec qui elle entretient un dialogue qui dure depuis des années, aboutissant à une collaboration pour la création des cadres sculpturaux que Baghramian a conçus pour les peintures de Mehretu incluses dans l'exposition Ensemble à Palazzo Grassi en 2024. Comme dans les expositions Off Broadway au Wattis Institute de San Francisco (2014) et Open Dress au Museum Abteiberg en Allemagne (2015), la collaboration et la participation au Nivola Museum sont résolument au premier plan de son travail, avec un projet qui réunit un groupe d'artistes liés à Baghramian par diverses affinités et qui réfléchit au potentiel utopique et subversif du travail collaboratif, dans un domaine si lié d'un point de vue psychologique à l'expressivité personnelle, sinon à l'idée de l'artiste-héros solitaire et tourmenté, comme celle du contemporain art. Enfin, le concept de l'exposition rappelle la condition d'exil de Costantino Nivola et de sa femme Ruth Guggenheim, qui ont fui l'Italie fasciste en 1938 pour s'installer à New York et ne sont retournés occasionnellement en Europe et en Sardaigne qu'après la fin de la guerre.

Regardez la vidéo du TGR Rai Sardegna sur l'exposition « Pratza 'e Domo.

Une maison sémiotique jamais construite » https://www.facebook.com/100065016840945/videos/1274319356871292

Avec la contribution de: Région autonome de Sardaigne, Municipalité d'Orani, Fondation de Sardaigne.
Conception de l'exposition: Artisanat et design par Pietro Fois
Impression: Bioaction de Fabio Milia
Conception graphique: Heart Studio Trasporti: Tiemme