En el Museo Nivola, la exposición "Pratza 'e domo. Una casa semiótica nunca construida" continuará desde el 29 de junio y se podrá visitar hasta el 3 de noviembre de 2024. Una casa semiótica que nunca se construyó», un proyecto creado por Nairy Baghramian para el museo tras la concesión del Premio de Escultura Nivola en 2023. La exposición incluye obras de los artistas y diseñadores Nairy Baghramian, Phyllida Barlow, Nicolas Hsiung, Janette Laverrière, Rosemary Mayer, Win McCarthy, Julie Mehretu, Oscar Murillo, Paulina Olowska, Monika Sosnowska y Mariantonia Urru.

El título de Baghramian «Pratza 'e domo» (literalmente «plaza de la casa») retoma la expresión que en Cerdeña designa el espacio frente a una casa, a menudo equipado con un banco o una silla en la que es posible pararse; un área de transición que no está claramente delimitada, al mismo tiempo privada y pública, individual y colectiva. Este espacio, tanto físico como conceptual, está vinculado a la idea de la «casa semiótica nunca construida», un proyecto llevado a cabo por Baghramian en 2008 en NAK - Neuer Aachener Kunstverein junto con Janette Laverrière y Henrik Olesen (Affairs). Una casa semiótica que nunca se construyó).

La casa es concebida por el artista como un espacio utópico que nunca se ha construido y puede que no se construya, pero el mero hecho de imaginarlo evoca su posibilidad de existencia, haciéndolo creíble. Es un entorno temporal en el que desarrollar o dejar de lado ideas y proyectos, en un proceso de elaboración y reensamblaje continuos de fragmentos. Cada fragmento es una creación independiente y, al mismo tiempo, contribuye «con un movimiento hacia atrás», como dice Baghramian, a la definición de un contexto.

El proyecto del Museo Nivola (cómo llegar) combina una serie de aspectos que siempre han estado presentes en la práctica de Nairy Baghramian. Uno de ellos es su interés por los límites entre el espacio público y el privado, externo e interno, que exploró como potencialmente permeables y, por lo tanto, cargados de tensión. Si en las obras anteriores del artista la tensión se perfila generalmente entre el espacio institucional del museo o galería y el espacio social, en este caso el espacio institucional se identifica idealmente con el doméstico, también gracias a la forma del entorno expositivo, un antiguo lavadero con techo a dos aguas, que recuerda a una casa. En la casa, la sala del museo adquiere las características de acogida y protección, se convierte en un recinto en el que diferentes discursos artísticos pueden coexistir y resonar juntos. La fusión entre el espacio público y privado caracteriza tanto a la nueva escultura de Baghramian To Let, montada en la fachada del edificio y en diálogo con las de Phyllida Barlow, como a la imagen de la obra January '17 Calendar (Der Fuß des Künstler, 2017) de Win McCarthy, que aparece como un gesto efímero en el póster de la exposición, y en la que los ejes espacial y temporal convergen en un híbrido entre calendario y planificar.
Otra zona fronteriza que atrae la atención de Baghramian es la que existe entre el arte y el diseño, entre la dimensión estética y la dimensión ornamental, investigada en la exposición a través de obras deliberadamente híbridas como la silla-escultura Chaise L'Afghane (1987) de Janette Laverrière, el vestido de trabajo pintado por Arepas y Tamales (2022) de Oscar Murillo, los taburetes de Nicolas Hsiung o, por la propia Baghramian, la monumental alfombra tejida para Samuuren gheo de Mariantonia Urru (cuyo diseño alude a la idea minimalista del espacio negativo, querida por la artista y recordada) por la visión del «pozo sagrado» de Santa Cristina en Cerdeña) y la manija escultórica colocada en una puerta del patio del museo. Lo inacabado, lo inacabado, lo no realizado también son temas recurrentes en la obra de
Nairy Baghramian, cuyas esculturas, a menudo aparentemente frágiles o incompletas, insinúan incomodidad, una dificultad de adaptación que las obliga a pararse sobre muletas o a apoyarse en la arquitectura, como en la serie Scratching the Back creada para la Comisión de Fachadas del Museo Metropolitano de Nueva York en 2023.

La precariedad, lo incompleto y lo efímero vuelven a la casa en construcción sobre un árbol pintado por Paulina Olowska (Tree House, 2016), en la estructura aérea de celofán, cintas, madera y otros materiales de Rosemary Meyer (Midwinter Ghost, 1980-81/2024), en las obras crudas y temporales de Phyllida Barlow (Sin título, 2010), en los fragmentos de vallas de Monika Soka Snowska (Gate, 2019), así como en los ritmos arremolinados de las composiciones abstractas de Julie Mehretu. Baghramian no es nueva en las experiencias colaborativas y hace tiempo que desarrolló la práctica de transformar las invitaciones a exposiciones personales en experiencias colectivas con otros artistas, como las ya mencionadas Janette Laverrière, Jean Timme, la coreógrafa Maria Hassabi y, más recientemente, Julie Mehretu, con quienes ha mantenido un diálogo que ha durado años y que culminó con la colaboración para la creación de los marcos escultóricos que Baghramian diseñó para las pinturas de Mehretu incluidas en la exposición Ensemble en Palazzo Grassi en 2024. Al igual que en las exposiciones Off Broadway en el Instituto Wattis de San Francisco (2014) y Open Dress en el Museo Abteiberg de Alemania (2015), en el Museo Nivola la colaboración y la participación están decididamente a la vanguardia de su obra, con un proyecto que reúne a un grupo de artistas vinculados a Baghramian por diversas afinidades y que reflexiona sobre el potencial utópico y subversivo del trabajo colaborativo, en un campo tan ideológico vinculado a la expresividad personal, si no a la idea del artista-héroe solitario y atormentado, como la del contemporáneo arte. Por último, el concepto de la exposición recuerda la condición de exilio de Costantino Nivola y su esposa Ruth Guggenheim, quienes huyeron de la Italia fascista en 1938 para instalarse en Nueva York y regresaron ocasionalmente a Europa y Cerdeña solo después del final de la guerra.

Vea el vídeo del TGR Rai Sardegna sobre la exposición «Pratza 'e Domo».

Una casa semiótica que nunca se construyó» https://www.facebook.com/100065016840945/videos/1274319356871292

Con la contribución de: Región Autónoma de Cerdeña, Municipio de Orani, Fundación de Cerdeña.
Diseño expositivo: Artesanía y diseño de Pietro Fois
Impresión: Bioaction de Fabio Milia
Diseño gráfico: Heart Studio Trasporti: Tiemme