Inaugurada el 16 de septiembre, en el Museo Nivola, la primera gran retrospectiva de la artista surrealista Bona de Mandiargues (Roma 1926 - París 2000).

Artista y escritora, su historia única, nunca antes reconstruida, la convierte, junto con figuras como Leonora Carrington, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning, Dora Maar o Remedios Varo, en una de las protagonistas del panorama de un surrealismo «femenino», hoy por fin en el centro de la atención de la crítica y el público.

Su trabajo se basa en una autoinvestigación que encuentra en los temas de la metamorfosis, el totemismo animal y la fantasía los medios para expresar una identidad dividida y fragmentada.

«Mi investigación es alquímica, dijo el artista, quiero hacer oro a partir de los excrementos. (...) Rehago el mundo: allí estoy en otro lugar, veo las cosas desde

más lejos. »

Mujer fascinante, muy admirada y generadora de pasiones sobrecogedoras, Bona rechaza explícitamente los roles de mujer-musa y mujer-niña, predominantes en el campo del surrealismo. En cambio, al menos a partir de los años setenta, se identificó con el caracol, un animal hermafrodita y una figura ambivalente, a la vez amable (piénsese en el hada azul de Pinocho) y repulsivo, la encarnación del surrealista sin forma. Para el artista, el caracol es un símbolo de la androginia, de la fragilidad y la fuerza, y de la furia continua de su mente inquieta.

El itinerario de la exposición

El proyecto, promovido por la Fundación Cerdeña a través del programa AR/S Shared Art, se basa en una amplia investigación archivística y reconstruye el itinerario de Bona de Mandiargues a través de 7,1 obras entre 1950 y 1997, procedentes de la colección de los herederos del artista y de colecciones privadas y públicas, como la Fundación Intesa San Paolo, la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma y las Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Ferrara.

El viaje, abierto por un grupo de preciosas pinturas que marcan el acercamiento del artista al imaginario surrealista, continúa con los fantásticos paisajes ardientes de 1955-56, influenciados por un viaje al Alto Egipto, y obras abstractas a partir de pastas espesas y materiales desde la segunda mitad de los cincuenta hasta principios de los sesenta, cuando la sugerencia de la cultura mexicana añade nuevos elementos a su imaginación.

Vague à l'âme es la pintura que inauguró la serie de collages textiles en 1958, en la que la experimentación técnica y la investigación formal son los vehículos de una investigación introspectiva que saca a la luz traumas e impulsos desde las profundidades. La lección sexual (1962), el impresionante tríptico de nacimientos (1965), de tonos primitivos, y Diana la perseguida y cazada (1968) figuran entre las

pinturas clave de esta fase.

Un imaginario repleto de referencias simbólicas y una paleta de colores psicodélicos caracterizan un grupo de lienzos pintados alrededor de 1968, relacionados con el segundo viaje a México.

Si el recuerdo de la pintura metafísica resurge en los años setenta, con homenajes a De Chirico, Savinio y Magritte (Il Gallo Toledo, Celeste Empire, 1975), en la década siguiente el clima italiano de «vuelta a la pintura» no será ajeno a lienzos como el retrato de la actriz y galerista erótica Sylvia Bourdon (1980) y La canción de la creación (1980).

La madurez del artista hace que se desarrollen las líneas de investigación ya iniciadas, al tiempo que se intensifica la presencia de la imagen simbólica del caracol, la proyección del artista, y la del tema del retrato (Homenaje a Unica Zürn, 1980) y el autorretrato.

Este último, fundamental para la investigación del artista, conoce varios ejemplos importantes en la exposición, desde el pequeño y elegante autorretrato juvenil hasta el extravagante de 1968, pasando por el rostro hierático y estilizado de Bona à México (1991), hasta el de 1994, que muestra el rostro de Bona multiplicado y dividido en detalles (nariz, boca, etc.), un espejo de la continua tensión, en la obra del artista, entre la fragmentación de el sujeto y su afirmación, que encuentra eco en las poderosas autorrepresentaciones simbólicas de La Femme Montagne y Ma Main (1991)

.

¿El artista

Sobrina y alumna de Filippo de Pisis, Bona Tibertelli estudió en la Academia de Bellas Artes de Venecia antes de seguir a su tío a París en 1947. Aquí conoció al crítico y escritor André Pieyre de Mandiargues, quien la puso en contacto con intelectuales y artistas surrealistas, desde André Breton hasta Max Ernst, desde Dorothea Tanning hasta Meret Oppenheim, desde Man Ray hasta Hans Bellmer, desde Leonor Fini hasta Henri Michaux. En 1950 se casó con De Mandiargues. La relación con de Mandiargues ayudará a orientar los intereses artísticos de Bona hacia los temas de la magia, lo onírico, el eros y lo

oculto.

Tras una fase formativa influenciada estilísticamente por el ejemplo de Pisis, Bona (el nombre con el que firmó) llegó a una pintura figurativa nutrida de sugerencias fantásticas, que interpreta la naturaleza a partir de la investigación surrealista de lo maravilloso y lo inquietante.

Las raíces y el mandrágoro de aspecto antropomórfico son los símbolos de una realidad en constante cambio que, en la segunda mitad de los años cincuenta, pasó por la evocación de un universo magmático y fermentador, renderizado a través de tejidos materiales, con el uso de densas mezclas de tierra y polvo, que se centran tanto en la investigación surrealista contemporánea como en las de la Europa informal.

En 1958, Bona desarrolló la técnica que más la caracterizó en los años siguientes, la del ensamblaje de materiales textiles. De la ropa vieja del armario de su marido, recupera forros y acolchados (el alma, en francés). Trozos de tela que darán lugar a innumerables composiciones cosidas y montadas sobre lienzo, a las que ella denomina «collages», «assemblages» o «ragarts». Al mismo tiempo, la artista seguirá practicando la pintura, el dibujo y el grabado, con obras repletas de simbologías personales, fantasías eróticas y

alusiones mágicas y alquímicas.

En 1958 permaneció durante mucho tiempo en México, abriendo una nueva etapa artística y personal. Los años sesenta fueron para ella un período de inquietud existencial, marcado por la separación de su marido, por numerosos viajes —en particular a la India, Afganistán, Ceilán y Nepal y, de nuevo, a México— y por las relaciones con el poeta Octavio Paz y con el pintor Francisco Toledo. Su obra se enriquece con referencias a las culturas con las que entra en contacto, tanto en las gamas cromáticas como en el estilo, así como en los temas y símbolos.

1967 marca la reconciliación con de Mandiargues y el nacimiento de su hija Sibylle. A partir de este momento, Bona avanza hacia nuevas líneas de investigación. Por un lado, se reanuda la pintura, con una serie de pinturas neometafísicas que analizan los orígenes del surrealismo. Por otro lado, desarrolla el trabajo sobre el ensamblaje, centrándose ahora en su animal totémico, el caracol. También intensificó su producción gráfica, con dibujos eróticos inspirados en el arte tántrico. En los años noventa, el tema del retrato pasó a primer plano, tanto con una serie de homenajes a los protagonistas históricos de la cultura del siglo XX, como con una exploración del yo a través del autorretrato y el retrato de familia.

Comisariada por: Giuliana Altea, Antonella Camarda, Luca Cheri y Caterina Ghisu.